"MoMAのブランクーシ回顧展：アトリエそのものが作品である"

「なぜか、それは私のアトリエだ」。コンスタンティン・ブランクーシは1926年にニューヨークのスカイラインを初めて目にしたとき、そう叫んだ。1世紀後の今日、ニューヨーク近代美術館（MoMA）はその言葉を文字通り受け取った。本日、MoMAの6階フロア全体で開幕した「ブランクーシ：芸術家とそのアトリエ」は、彫刻を白い壁に掛けるだけの展覧会ではない。作品が生まれた部屋そのものを再現している。パリのランパッス・ロンサンにあったアトリエで、ブランクーシは40年以上にわたり暮らし、働き、友人や顧客を迎え、彫刻を展示した。

このタイミングは偶然ではない。展覧会は、ルーマニア生まれの彫刻家の生誕150年を記念する「ブランクーシ・イヤー」の一環であり、折しもパリのアトリエ・ブランクーシ——1957年に彼がフランス政府に遺贈した保存状態のアトリエ——が改修のため閉鎖されている。その閉鎖こそが今回の展覧会を可能にした。めったに貸し出されない彫刻や資料がポンピドゥー・センターからニューヨークに運ばれ、MoMA所蔵品やニューヨークの機関・個人コレクションからの貸出品と並ぶ。

来場者が目にするのは、従来型の回顧展ではない。中心となるのは、キュレーターのアン・ウムランドが「ゴースト・スタジオ」と呼ぶものだ。半透明の素材でランパッス・ロンサンのアトリエの最後の平面図を浮かび上がらせ、映像の投影、石膏の習作、手彫りのスツールや家具、そしてブランクーシ自身が撮影した部屋の写真を組み合わせている。ここでの主張は、美術館が追いつくずっと前からブランクーシが抱いていた考えである。すなわち、彫刻とそれを支えるものとの間に区別はなく、環境は作品そのものと同じくらい作品体験にとって重要だということだ。彼が彫刻の一部とみなした手彫りの台座は、ここでは装飾ではなく証拠として立っている。

おなじみの代表作も揃っている。「レダ」「空間の鳥」「魚」、「X王女」や「接吻」のヴァージョン、そして1918年の「無限柱」第1バージョンだ。しかし展覧会の主張は、これらの形態が完成された姿で現れたのではないということだ。それらは部屋の産物だった。道具、素材、繰り返し見つめる行為、そして物のあいだで営まれた日常生活の産物である。ブランクーシは自分のアトリエを執拗に撮影し、部屋そのものが進行中のコンポジションであるかのように作品を並べ替え続けた。その意味で、アトリエは彼の最大の彫刻であり、彼が決して完成させなかった唯一の作品だった。

展覧会には、もうひとつ静かな主張が流れている。過去10年間、美術館は作品が作られ、展示され、鑑賞される空間によってどう形作られるかを再考してきた。ブランクーシはその議論を半世紀先取りしていた。写真、家具、建築、日常の営みを、彫刻と連続するものとして扱ったのだ。回顧展は来場者に、完成品だけでなく制作の条件——青銅と同じくらい作業台——に目を向けるよう求めている。

会期は2027年2月27日までで、ブランクーシ自身が撮影した130点以上の写真を収めた図録も刊行される。芸術家の世界をハイライトの羅列に解体せず、そのままの姿で見ることができる貴重な機会だ。インスタレーションや環境、プロセスを扱う今の世代のアーティストたちが、1957年に亡くなった彫刻家から何か新しいものを受け取るかどうかは開かれた問いであり、美術館にとってまさに問うに値する問いである。ブランクーシは40年間、部屋こそが作品だと主張し続けた。これからの4か月間、ニューヨークはその部屋の中を歩くことができる。